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Il libro prende in esame il lavoro di 3 artisti: Salvatore Astore, Sergio Ragalzi e Luigi Stoisa ed è diviso in 2 parti, gli anni 80 e oggi. Anatomico Organico Industriale, sono questi 3 elementi a caratterizzare ed unire il modo di procedere di questi artisti, nati artisticamente tutti a Torino e con un comune percorso formativo accademico. Anatomico: entrambi riportano l’attenzione all’uomo e alla sua anatomia utilizzando la pittura Organico: utilizzano materiali organici di derivazione industriale Industriale: è il contesto in cui operano, la Città di Torino è la città industriale per eccellenza ed è proprio l’industria a caratterizzare il lavoro di questi artisti così come ha caratterizzato la vita dei suoi cittadini. Una città che va a dormire presto perché al mattino si alza presto, la catena di montaggio non si ferma, si lavora su tre turni, è una città votata alla produzione è l’uomo è lo strumento cardine, il perno. Il libro documenta la mostra, anch’essa divisa nei due periodi storici e vuole porre le basi di questo gruppo di fatto, presentato in questi termini per la prima volta in un movimento che ha storicamente segnato il passaggio dall’Arte Povera al ritorno alla pittura sulla base del principio Anatomico Organico Industriale. Testi di Federico Piccari e Francesco Poli per i nostri giorni e testi di Corrado Levi, Francesco Poli e Emilio Villa per gli anni ’80. Testi in italiano e inglese.

Un percorso attraverso la bellezza nel corso del ‘900 nella scelta curatoriale di 51 artisti che attraversano il secolo. Il concetto di bellezza quella intesa nella rappresentazione dell’uomo si è modificato all’interno di Il concetto di bellezza muta nel tempo, da sempre in evoluzione ed in stretto legame con le convenzioni e le trasformazioni sociali; mai come nel corso del ‘900 si è arricchito di così molteplici sfumature. Il nostro è un viaggio nel XX secolo: scultura, disegno, pittura, fotografie e video ci conducono in territori che i media e la quotidianità ci hanno reso familiari. Il percorso parte da Modigliani, passa per Andy Warhol, Mapplethorpe, La Dolce Vita con la celebrazione dei divi, il primo divo maschile Rodolfo Valentino e il mondo del cinema, da Greta Garbo, Sofia Loren, Liz Taylor, Brigitte Bardot, Marcello Mastroianni sino ad arrivare al mondo del contemporaneo, passando per il concettuale con Giorgio Ciam e la ricerca di identità nel voler essere un altro. Particolare attenzione è data alla Barbie che nasce il 9 marzo 1959 e diviene l’icona per l’infanzia che ci accompagnerà per tutta la vita: bellissima, bionda, occhi azzurri, fattezze perfette. E’ il modello occidentale, l’ideale di bellezza esportato nel mondo, strettamente connesso al sogno americano e oggetto del desiderio. ….e bellezza sia! Continua il suo percorso con Carlo Mollino e le modelle in polaroid, con Joel Peter Witkin in cui morte e bellezza convivono sullo stesso piano ed arriva ai nostri giorni incontrando le sperimentazioni di artisti contemporanei, più attenti ad un ideale di bellezza contaminato dall’esperienza e dal vissuto, una bellezza che talvolta ha risvolti patologici. Un modello di bellezza che nell’estetica non ha timore del ricorso al chirurgo e trova nella tecnologia la possibilità di strade alternative. Testo di Federico Piccari in questa cavalcata di secolo, raccolta di riflessioni sulla bellezza di persone che ruotano intorno al mondo dell’arte e riflessione sulla bellezza di alcuni artisti contemporanei partecipanti al progetto. Testi in italiano e inglese.

31 artisti nati tra la fine degli anni ’70 e i primi anni ’90 costretti quasi ossessivamente dall’assedio della produzione industriale, della cultura di massa post-colonialista, dalla onnipresenza del digitale e di internet, dipingono abbandonando il pennello ma senza per questo rinnegare il lavoro delle avanguardie del ‘900 ampiamente citate con aperta e sincera ammirazione. Dunque, non una degenerazione della pittura, ma una “nuova generazione” o “rigenerazione” della pittura, omaggiata e trasformata, quasi “sfigurata” e annientata nel tempo attraverso l’impiego e la combinazione di materiali non convenzionali, di nuove tecnologie, di procedimenti chimici/alchemici che entrano a far parte di una tavolozza quasi oramai solo più originaria o virtuale. Questa pittura dunque, reca una forte traccia nell’idea del tempo: tempo di produzione, tempo d’esecuzione, tempo di commercializzazione e di consumazione. Perché l’invenzione, come ogni avvenimento che si iscrive nel tempo, non ha più durata. Il libro mette a confronto artisti europei con artisti USA. Testo introduttivo di Federico Piccari “DeGeneration of painting”, testo “L’implicazione nella pittura moderna: senso di colpa e sollievo nell’arena pubblica” di Laura McLean Ferris, “Dal cavalletto alla macchina ai codici non-morti” di Post Brothers. Gli artisti rispondono su intervista a 3 domande comuni. Testi in italiano e inglese.

Il libro raccoglie il progetto Atmosphere2 presentato dagli artisti Paolo Grassino e Pierluigi Pusole in Fondazione 107. Lo spazio espositivo è stato trasformato in un hangar in cui dialogo le sculture e i video di Paolo Grassino con i dipinti di Pierluigi Pusole. Il libro documenta il lavoro degli artisti dalla sua preparazione, installazione e definizione del progetto in un percorso di vita e di rapporto umano tra i protagonisti. Nell’epoca della Visual culture ovvero della bulimia quantitativa delle immagini e della sua onnipresenza nelle nostr vite, la sfida per ogni espressione creativa professionale (letteratura, cinema, arte visiva, scultura) è quella di rifondare il suo statuto di verità e, come scrive Marc Augé, quella di “mettere in discussione direttamente o indirettamente le evidenze dell’immagine per restituire storicità all’attualità”. Il fare artistico non può più non confrontarsi con i processi della comunicazione e i suoi svolgimenti: ogni artista sa che, dalla fase dell’ideazione alla costruzione effettiva dell’opera, alla sua presentazione, ciascuna soluzione adottata deve tener conto anche dell’impatto che avrà sul pubblico, della relazione con lo spazio che l’accoglie, del contesto sociale a cui si rivolge, pena l’anonimato del suo autore e il fallimento della stessa opera. Testo “Atmospere2” di Gabriella Serusi. Testo in italiano e inglese.

Un percorso attraverso la bellezza nel corso del ‘900 nella scelta curatoriale di 51 artisti che attraversano il secolo. Il concetto di bellezza quella intesa nella rappresentazione dell’uomo si è modificato all’interno di Il concetto di bellezza muta nel tempo, da sempre in evoluzione ed in stretto legame con le convenzioni e le trasformazioni sociali; mai come nel corso del ‘900 si è arricchito di così molteplici sfumature. Il nostro è un viaggio nel XX secolo: scultura, disegno, pittura, fotografie e video ci conducono in territori che i media e la quotidianità ci hanno reso familiari. Il percorso parte da Modigliani, passa per Andy Warhol, Mapplethorpe, La Dolce Vita con la celebrazione dei divi, il primo divo maschile Rodolfo Valentino e il mondo del cinema, da Greta Garbo, Sofia Loren, Liz Taylor, Brigitte Bardot, Marcello Mastroianni sino ad arrivare al mondo del contemporaneo, passando per il concettuale con Giorgio Ciam e la ricerca di identità nel voler essere un altro. Particolare attenzione è data alla Barbie che nasce il 9 marzo 1959 e diviene l’icona per l’infanzia che ci accompagnerà per tutta la vita: bellissima, bionda, occhi azzurri, fattezze perfette. E’ il modello occidentale, l’ideale di bellezza esportato nel mondo, strettamente connesso al sogno americano e oggetto del desiderio. ….e bellezza sia! Continua il suo percorso con Carlo Mollino e le modelle in polaroid, con Joel Peter Witkin in cui morte e bellezza convivono sullo stesso piano ed arriva ai nostri giorni incontrando le sperimentazioni di artisti contemporanei, più attenti ad un ideale di bellezza contaminato dall’esperienza e dal vissuto, una bellezza che talvolta ha risvolti patologici. Un modello di bellezza che nell’estetica non ha timore del ricorso al chirurgo e trova nella tecnologia la possibilità di strade alternative. Testo di Federico Piccari in questa cavalcata di secolo, raccolta di riflessioni sulla bellezza di persone che ruotano intorno al mondo dell’arte e riflessione sulla bellezza di alcuni artisti contemporanei partecipanti al progetto. Testi in italiano e inglese.

Il libro focalizza il periodo artistico che parte dal disgregamento dell’Unione Sovietica e la successiva indipendenza delle ex repubbliche. Si parte dal 1980 sotto l’impero sovietico con le mostre clandestine organizzate dagli artisti, i gruppi del Kyzyl Traktor e del Green Triangle, si attraversa il 1991 con l’indipendenza del Kazakistan, Kirgizistan, Uzbekistan, Tagikistan per giungere ai nostri giorni. L’URSS con il suo apparato controlla l’arte e gli artisti, la nostra scelta curatoriale ha deciso di connettere alle ex Repubbliche Sovietiche i territori dell’Afghanistan e Mongolia per la condivisione dei temi trattati, il nomadismo, la celebrazione del potere nel monumento ma anche la destituzione con la rivolta popolare e la rimozione della statua, la lotta per l’indipendenza e l’atteggiamento verso il lontano mondo occidentale. Attraverso il regesto cronologico sono descritti e commentati gli eventi più importanti dell’arte contemporanea centroasiatica dal 1980 al 2009. La data ci è stata suggerita dagli eventi artistici e ci è stata in qualche modo imposta dagli eventi politici. E’ a partire dai primissimi anni ’80 che si allenta il controllo del potere sovietico sull’arte al punto che a Leningrado come ad Almaty si possono organizzare mostre nelle abitazioni private, che è, a pensarci a posteriori, una sfida radicale a quella metafisica della “cosa pubblica” cara all’ideologia sovietica. E’ come se il declino della veteranomenklatura (morte di Breznev e brevissimo interregno di Cernienko e Andropov) già annunciasse, almeno in questo, la glasnost di Gorbachiov. Il 1980 (o per meglio dire il Natale del 1979) vede l’ultima grande scommessa del potere sovietico con la storia: l’invasione dell’Afghanistan, che per alcuni, non senza interessata esagerazione, determinò addirittura il collasso dell’Urss. I testi sono scritti da Enrico Mascelloni curatore e geopolitico, Valeria Ibraeva, curatrice kazaka e promotrice di un nucleo importante di artisti centroasiatici, Gamal Bokonbaev curatore ed artista Kirgiso e Rosa Maria Falvo, curatrice esperta di Afghanistan e Mongolia. 32 sono gli artisti intervenuti con le loro opere in mostra, nel libro le singole schede e i ritratti fotografici di ognuno di loro. Testi in Italiano, Inglese e Russo è oggi il libro più completo sull’arte centroasiatica.

Il libro documenta la mostra dell’artista americana Lara Nickel presso Fondazione 107 ed è un omaggio alla famosa opera di Jannis Kounellis tenutasi alla galleria L’Attico nel 1969. Lara Nickel ha dipinto con una pittura iperrealista 12 cavalli in scala 1:1 e li ha installati nel grande spazio espositivo di Fondazione 107 come se venisse trasformata in una scuderia, così come fece Kounellis molti anni fa